Eisner, Elliot; “Educar la visión artística”; Martínez Roca; Barcelona; 1987.
Capítulo Nº 4:
“Cómo se produce el aprendizaje artístico”

En uno los capítulos del libro “Educar la visión artística” de Eisner, se hace hincapié en lo siguiente: para comprender qué hace el arte en la experiencia humana se requiere un análisis del propio arte; y comprender por qué pensamos y enseñamos arte en la educación del modo como lo hacemos, se requiere la comprensión de esta área en su contexto histórico, social y educativo. Conjuntamente se determinará cómo pueden hacerse vividas las contribuciones del arte en las escuelas.

Los múltiples aspectos del aprendizaje artístico
- El aprendizaje artístico no es un aprendizaje en una sola dirección, sino que aborda el desarrollo de las capacidades necesarias para crear formas artísticas, el desarrollo de capacidades para la percepción estética y la capacidad de comprender el arte como fenómeno cultural.
De éste modo, el aprendizaje artístico se preocupa por la comprensión de cómo se aprende a crear, a ver, mirar y cómo se produce la comprensión del arte.
Estos tres aspectos se le pueden denominar como productivo, críticos y culturales.
- El desarrollo artístico es producto de complejas formas de aprendizajes que se llevan a cabo en cada uno de los tres dominios citados anteriormente.
- El aprendizaje de arte no es una consecuencia automática de la madurez, y que, además, se puede facilitar a través de la enseñanza.
Según la teoría de Gestalt, un adulto puede percibir cualidades y relaciones del entorno más complejas, que las puede percibir un niño. Por consiguiente, los psicólogos de Gestalt denominaron diferenciación perceptiva a dicho proceso que consiste en percibir, comparar y contratar cualidades constitutivas del entrono.
En las artes visuales, los críticos y los artistas han desarrollado capacidades muy refinadas de percepción. Los críticos de arte pueden identificar cuadros realizados por el mismo artista y distinguir cuando creó la obra, incluso entre períodos de tiempos muy cortos. Esto se debe a la gran experiencia que tienen observando formas visuales, y de éste modo aumentan sus capacidades perceptivas.
Sin embargo, los niños también desarrollan su capacidad de percibir cualidades, siempre y cuando se les enseñase. Debe señalarse que la diferenciación perceptiva, así como la diferenciación cognitiva en general, se desarrolla progresivamente, haciéndose más compleja y refinada a medida que una persona aumenta su experiencia en un área.
- La educación de arte le interesa sobre todo desarrollar la modalidad sensorial visual.
- La capacidad de ver cualidades visuales en el entorno no tiene un solo desarrollo lineal.
- El mundo visual es sumamente complejo, y a medida que maduramos, aprendemos a reducir el mundo visual a ciertos símbolos visuales generales y discursivos para dichas cualidades.
- La esencia de la percepción consiste en ser selectiva.
Las constancias visuales reemplazan lo que vemos por lo que sabemos mediante la sustitución de cualidades concretas que hemos desarrollado a través del aprendizaje perceptivo.
Las constancias visuales son, en muchos marcos, habilidades funcionales que nos permiten continuar con nuestras tareas.

Sin embargo, en el campo de las artes visuales, es preciso organizar estas constancias visuales a fin de qué manera está organizado en el mundo visual. Es preciso organizarlas porque a menudo interfieren en nuestra percepción estética del mundo visual (mecanismos).
En las artes visuales los niños desarrollan expectativas para la forma visual, (las ilustraciones de los libros de cuentos infantiles y del tipo de arte que encuentran en sus casas); estas formas de arte influyen en la manera como el concibe el arte.
Por tanto, reconvierte en su estructura de referencia para el arte.
Lo que el niño aprende se debe en parte a lo que tiene la posibilidad de experimentar.
En un momento dado los niños pequeños se centran a menudo en un solo aspecto del mundo visual y, no se dan cuenta de la relación que dicha forma concreta, Piaget denomina a este proceso centralización, es la tendencia a centralizarse en formas concretas o en aspectos de la forma sin relacionar dicho aspecto con un campo mayor. Piaget denomina al proceso contrario descentralización.
Pero la capacidad de percibir relaciones de formas concretas con campos complejos de la forma es crucial en las artes. El artista debe ser extremadamente conciente de que el cambio en una parte de la pintura o de la escultura, por ejemplo, afecta a las demás partes. No ser concientes de la interacción entre las formas supone impedir la consecución de una forma total y unificada en el cual las cualidades componentes parezcan tener consistencia.
Las personas cuyas habilidades perceptivas no están desarrolladas tienden a centrarse en una sola forma en cada momento. El desarrollo perceptivo en el arte o en las tareas relacionadas con el arte se pone en manifiesto mediante la capacidad individual de ver relaciones visuales complejas. En el lugar de una visión focal, se denomina la visión contextual.
- la capacidad de diferenciar y percibir formas visuales puede facilitarse a través de la experiencia.
- No solo aprendemos a ver a través de la experiencia y del aprendizaje, sino que ciertos tipos de experiencia tienden a dificultar la capacidad de percibir el mundo en cierto sentido.
El contenido expresivo de la forma visual.
La percepción de cualidades visuales no se consigue con la mera observación (experiencia), sino que también se debe atender al carácter expresivo de la forma visual, es decir que se alude a la capacidad de sentimientos provocado por el objeto visual.
- a la hora de analizar no debemos olvidar: que todas las formas visuales tienen cierto carácter expresivo.
El impacto de una imagen no consiste simplemente en su capcidad de atraer la atención. El impacto y la importancia de una imagen están en el tipo de sentimientos que generan en quienes se enfrentan a ella.
Los artistas de todos los campos están interesados por el contenido expresivo.
No todos los que observan una forma visual son capaces de percibir su contenido expresivo, ya que en algunas obras de arte el contenido expresivo es muy sutil.
Existe una teoría que afirma que respondemos emocionalmente a formas concretas porque hemos aprendido a relacionar dichas formas con otras experiencias que para nosotros tienen un significado emocional concreto. Ej: cuando vemos el auto deportivo Jaguar XKE, provoca en las personas un sentimientos de velocidad pura.
Una teoría rival afirma que el carácter de la propia forma, la relación que tiene la figura o figura con el marco en el que aparecen, determina la calidad de sentimientos que expresamos cuando nos hallamos ante ella.
Eisner considera, hay múltiples concepciones y enfoques de la respuesta artística.
Se cree que las respuestas a las formas visuales están solo en función de la asociación, los problemas educativos de los aspectos críticos de arte pasan a ser exclusivamente los relativos al aprendizaje asociativo. Es decir, la función del profesor es la de ayudar al estudiante para que aprenda a asociar las formas de la obra con otras experiencias que posee. O bien, la función del profesor se convierte en ofrecer experiencias concretas en presencia de la obra, de modo que pueda asociarse la obra con dichas experiencias. En la teoría psicológica, a este tipo de prácticas se las denomina aprendizaje emparejado.
Por otro lado, pero en la misma línea de pensamiento, la función del profesor pasa a ser la de ayudar a que quienes son menos sofisticados visualmente aprendan a percibir.
Aspectos productivos del aprendizaje del arte.
Factores importantes:
- Habilidad en el tratamiento del material.
- Habilidad en la percepción de las relaciones cualitativas entre las formas producidas en la obra, entre las formas observadas en el entorno y entre las formas observadas como imágenes mentales.
- Habilidad en inventar formas, en el límite de los materiales.
- Habilidad en la creación de orden espacial, orden estético y capacidad expresiva.
Es importante tratar con los materiales con los cuales se va realizar las formas, además debe el individuo trabajar potencialidades del material. Ya que, es el material quien afecta profundamente a la obra del artista, en dos sentodos, el primero por la naturaleza del material y por otra parte, las características que presenta el material, establecen límites al respecto de qué formas pueden realizarse y cómo. Cada material requiere un conjunto de habilidades técnicas en cierto modo distinto. El material afecta al producto final otorgando sus características a la obra.
La expresión artística no solo requiere la capacidad de controlar el material con el cual se trabaja; requiere también que el material se pueda organizar en formas que se correspondan con la intuición del artista o satisfagan su sensibilidad visual una vez que dichas formas hayan sido creadas o descubiertas en su obra.
A medida que los niños maduran, pasan de un interés por la autoexpresión en terminos direcatamente emocionales en sus pinturas a un interés por la representación literal. A lo mencionado anteriormente, argumentan que estrudiando las características de las pinturas de caballete realizadas por niños de guardería podrían ser capaces de identificar las relaciones entre la forma y el contenido de las pinturas y la personalidad del niño, según se manifiesta a través de su conducta social.
Por otro lado, los datos recopilados manifiestan que los lápices de colores son un medio de expresión de sentimientos. Se indican en los dibujos que el tamaño, el color, la colocación y la utilización del espacio están relacionados con las características personales que posee el niño; pero prefieren que los datos obtenidos del análisis de pinturas de caballete no se pueden usar de forma fiable para predecir la conducta. Sin embargo, pueden utilizarse como una fuente importante de datos.
Los dibujos reflejan los niveles más importantes y más profundos de la personalidad.
Florence Goodenough y Dale Harris, consideran que los dibujos de los niños son datos útiles para determinar su madurez intelectual. Además, creen que la madurez intelectual corresponde al nivel de formación de conceptos que ha alcanzado el niño.
Por otro lado, pero en la misma línea de pensamiento, dichos autores consideran que el nivel de adquisición de conceptos del niño se refleja en los dibujos que produce; por tanto, afirman que un aspecto principal del dibujo es de carácter cognitivo. Un ejemplo de ello es cuando se dibuja una figura humana.
Según el punto de vista de Meier, el hallazgo más significativo es la identificación de los seis factores que contribuyen en mayor medida a la aptitud artística. La mitad de los cuales están en función de la herencia y la otra mitad en función del entorno, estos son interactivos.
Los tres primeros factores que son consecuencia básica de la herencia son:
. La habilidad manual,
. la perseverancia y
. la inteligencia.
Los otros tres factores, son en este caso consecuencias básicas de la educación:
. La facilidad perceptiva,
. la imaginación creativa y
. el juicio estético.
Meier señala que los factores que surgen de la herencia de patrón constitutivo deben estar presentes para que un individuo muestre aptitud artística.
Un aspecto importante de la planificación educativa para quien sostiene esta concepción es la de seleccionar a los alumnos con talento y ofrecerles la oportunidad de trabajar en arte.
Otra de las concepciones del arte infantil la ha desarrollado Víctor Lowenfeld, donde argumenta que otorga mayor importancia a la relación entre la salud mental, autoconcepto y creatividad. Además cree que todo niño posee una capacidad de desarrollo creativo. La función del profesor es ofrecer las condiciones a través de los cuales se desarrollan estas potencialidades.
La creatividad puede desarrollarse mejor es que le niño se exponga a las cualidades de las vida a través de todos sus sentidos. Cómo, mediante experiencias directas como los fenómenos táctiles, visuales y auditivos, de éste modo se desarrollan la imaginación y la capacidad perceptiva del niño.
Afirma además dicho autor, que la forma y el contenido de un dibujo infantil están afectados, por su particular estadio de desarrollo social y en ellos se reflejan los calores que le niño otorga a la experiencia.
Lowenfeld afirma que el arte es una herramienta educativa que puede cultivar la sensibilidad del hombre, fomentar la cooperación, reducir el egoísmo y por encima de todo, desarrollar una capacidad general de funcionamiento educativo. Él otorga bastante atención especialmente en su esfuerzo por justificar el carácter del arte infantil, es el de los modos de percepción hápticos y visuales. Y a medida que los niños maduran, una proporción de ellos, se orientan al mundo de una de éstas dos maneras. Aquellos cuya orientación perceptiva es visual tienden a ver el mundo como espectadores que observan fenómenos de una manera literal. Tienden a percibir las cualidades objetivas de los fenómenos visuales y por tanto, los dibujos y pinturas suelen ser de carácter representativo.
El individuo háptico interactúa con el mundo más como participante que como espectador. Sus dibujos y pinturas no son literales sino emocionalmente exagerados.
Sir Herbert Read formuló una sexta concepción del arte infantil. En el cual plantea lo siguiente: el arte es un proceso general a través del cual el hombre alcanza la armonía entre su mundo interno y el orden social en el que vive. Donde en el arte se basan dos principios generales:
. el hombre en crecimiento debe llegar comprender las relaciones y similitudes existentes en el mundo aparentemente diversificado.
. solo debe aprender cultivando sus sensibilidades, ya que solo mediante dicho contacto se puede construir un fundamento firme para la abstracción intelectual.
Las características del arte infantil están en función de arquetipos que han dejado si huella en la mente durante la evolución de la especie humana.
June McFee ha formulado una séptima concepción del arte infantil.
Esta la llama “teoría de la percepción –delinación”. El cual existen cuatro factores en ellos:
1- la disposición del niño
2- el entorno psicológico en el que va a trabajar.
3- el manejo de la información y
4- las habilidades de delineación (incluye las capacidades del niño para manipular el medio, su capacidad creativa y su capacidad para diseñar cualidades de forma).
McFee identifica a los conceptos interdisciplinarios, estos no se desarrollan dentro de una única estructura teórica de referencia.

Resumen de las concepciones del arte infantil
El objetivo es explicar con claridad de las principales diferencias entre diversas concepciones del arte infantil.
Arnheim considera importe al desarrollo de la percepción en la medida en que crean equivalentes estructurales bidimensionales de los objetos que perciben. Los niños dibujan la que ven, no lo que saben.
Hattwick señala la importancia de los rasgos de personalidad que afectan a las características de las pinturas de los niños en edad preescolar.
El arte es una manifestación de la personalidad.
Goodenough y Harris plantean que el arte es indicativo de la formación de conceptos y, por tanto, un índice de la inteligencia general. El acto de dibujar es una actividad cognitiva y está afectado por muchas de las capacidades que inciden en la realización de tareas no relacionadas con el dibujo.
Meier destaca la importancia de la herencia de patrón constitutivo y considera que la capacidad o la aptitud artística, es un resultado de una interacción entre rasgos genéticos condiciones contextuales, identificando seis factores que afectan a la aptitud artística.
Lowenfeld destaca el carácter gradual de los estudios de desarrollo infantil y solicita que los profesores eviten intervenir en el curso natural del desarrollo artístico del niño. Este curso natural tiene resultado en personas con dos orientaciones visuales del mundo distintas. El individuo háptico que se remite a respuestas afectivas y cinéticas en su contacto con su entorno, mientras que el de mentalidad visual percibe el mundo de modo más literalmente visual. Estos dos están destinados genéticamente.
Read teoriza que el arte infantil está afectado por el tipo de personalidad concreta que posee el niño. Opina que el arte “es una fusión completa de los dos conceptos (arte y educación), estos son procesos educativos. Se refiere a la ecuación como a un proceso artístico de auto creación.
Por último pero no menos importante, McFee identifica cuatro factores que afectan a la realización del niño en el arte: su disponibilidad de manejar la información, la situación concreta en la cual va a trabajar y las habilidades de delineación.
Eisner plantea cuatro factores generales que parecen relacionados con la producción de formas visuales, estas son:
1-habilidad en el tratamiento del material
2- habilidad en la percepción de las relaciones cualitativas entre las formas producidas en la propia obra, entre las formas observadas en el entorno y en las formas observadas como imágenes mentales.
3- habilidad en inventar formas que satisfagan a quienes la realizan dentro de los límites del material con el cual está trabajando.
4- habilidad en la creación de orden espacial, orden estético y capacidad expresiva.
Por otro lado, pero en la misma línea de pensamiento, se debe tener presente que controlar los materiales con los que se trabaja, este se convierte en vehículo plástico de expresión. La capacidad de percibir las cualidades que emergen a medida que se trabaja con el material, de modo que se puede hacer un buen uso de las habilidades adquiridas para la manipulación. Además, la capacidad de ver afecta a la capacidad individual de producir formas visuales. Asimismo es posible utilizar los “datos” adquiridos sentido visual a través de la experiencia. ( Ver es adquirir sentido a través de la experiencia).

Dos modos de acción artística

Estos dos modos son a través de la producción artística en el campo visual: un de ellos es el utilizado por los niños de dos a cuatro años y por algunos expresionistas abstractos y pintores de la acción, implica el descubrimiento de formas que emergen de la actividad en la mano y del ojo. Por otro parte el segundo modo es el que más a prevalecido históricamente, es el resultado de la intuición; es el resultado de un deseo de trasformar una idea, imagen o sentimientos privados en un material público como la pintura o arcilla.
En el primer caso, generalmente, sus esfuerzos no están dirigidos a articular de forma visual alguna imagen preconcebida, sino a estimularse por las huellas visuales que deja si lápiz o pincel a medida que se mueve por el papel.
En el segundo caso, se requiere de la invención de un esquema o estructura que representara la ayuda que se realiza la invención en el niño o el artista.
La capacidad de ver, de concebir la forma imaginativa y de construir son capacidades que están profundamente afectadas por el tipo de experiencia que tienen los niños. Es precisamente en la facilitación de condiciones contextuales, a través del currículo y de la enseñanza, donde el profesor tiene una importante aportación que hacer a la educación en arte del niño.
En ocasiones el niño se enfrenta al problema de trasformar ciertas ideas, imagen o sentimiento a una forma visual utilizando cierto material.
La actividad infantil en el acto de creación es inventar formas que representen la intención del niño a través de cierto material. Al principio, estas formas son aproximaciones simplificadas, a medida que el niño aprende a crear la ilusión de la tercera dimensión en una superficie bidimensional. Estas ilusiones toman la forma de dibujos en perspectiva, diferenciación de valores, utilización de luz y sombra entre otros.

Arte pictográfico y arte representativo.

El desarrollo de un código visual para la expresión de significado visual puede construirse siguiendo tres direcciones: pueden utilizarse las formas como pictogramas, para imitar el entrono visual en el que vivimos, para expresar emociones.
Los niños pequeños utilizan el arte pictográfico como una manera de esquematizar ciertas imágenes; lo utilizan además como “suplente” de lo que han visto o imaginan.
El tercer modo de actividad artística es de carácter emocional y expresionista. Este modo de actividad inventa y organiza las formas con el objetivo de expresar sentimientos. Los objetos artísticos realizados con esta intención con frecuencia alteran las formas imitativas con el fin de producir sentimientos en el observador. Se debe tener presente que toda forma visual tiene carácter expresivo y que todo arte pictográfico es en cierto sentido representativo. Lo que establece distinciones que se relacionen con la importancia más que categorías mutuamente excluyentes.
Otro factor que se debe tener en cuenta en la creación de la forma visual, es la organización de las formas visuales concretas empleadas; con el objetivo de conseguir cierta totalidad cohesionadota. Esta tarea requiere prestar atención a las relaciones que se establecen entre cada una de las formas aisladas, requiere prestar atención a la composición de la obra. En los niños o adultos que no han ejercitado este aspecto de percibir la forma visual, existe la tendencia a centrarse en formas aisladas entre sí.
Por otra parte, la persona con mucha experiencia y habilidad en la observación de la forma visual es al aparecer capaz de darse cuenta de estas relaciones de forma casi automática, y es además capaz de tomar las decisiones adecuadas al respecto. Quienes no tienen esta experiencia ni esta capacidad deben aprender a ver donde el profesor de arte ayuda a que el niño amplié su percepción de la obra que está realizando.
Eisner afirma que, el desarrollo artístico no es una consecuencia automática de la madurez, sino un proceso afectado por el tipo de experiencia que tienen los niños, la habilidad artística de un niño está en función de lo que han aprendido. Considera también, que al ámbito productivo, el ámbito relativo a la creación de formas artísticas, entra en juego toda variedad de factores. Uno de ellos es la capacidad de percibir el contexto natural y de imaginar posibilidades visuales con el ojo de la mente. El segundo factor sería el manejo del material de forma que funcione como medio a través del cual se produce la expresión. El tercer factor, es la capacidad de inventar esquemas que transformen una imagen, idea o sentimiento en una forma adecuada con cierto material. Las creaciones del niño, tanto las tempranas como las tardías, pueden concebirse como códigos visuales a través de los cuales se plasman las ideas, imágenes y sentimientos. A medida que el niño trabaja con el material y aumenta su experiencia, aprende a utilizar una serie cada vez mayor de técnicas. Por último el niño necesita aprender a ver las formas que crea como parte de una configuración visual total y emergente, y a tomar decisiones a la luz de estas relaciones.
Es importante destacar que el punto central que quizás subyace a estas nociones, es el desarrollo de la complejidad cognitiva-perceptiva es inherente tanto en la percepción como en la creación artística.
Aprender a percibir lo que es sutil, a superar constancias visuales, a construir imágenes mentales con posibilidades visuales y a constituir dichas imágenes con otro material no son tares sencilla. La competencia concreta de la educación de arte es asumir la responsabilidad de incentivar estos aspectos de la capacidad humana.

Aspectos críticos del aprendizaje de arte.

Veremos que una función principal de cualquier obra de arte es provocar algo en nuestra experiencia: afectarnos. Cuantas más cosas aportemos a la obra, más posibilidades tendremos de darle sentido. La estructura de referencia para atender al arte visual se denomina dimensión experiencial. Las primeras respuestas a una obra pueden servir como punto departida para el análisis ulterior. Pero debe destacarse que la función del análisis no es realizar un ejercicio intelectual, sino aumentar la percepción que se tiene de la obra.
Una segunda estructura de referencia es la dimensión formal de la obra. En esta dimensión el observador atiende a las relaciones existentes entre diversas formas individuales que constituyen la obra.
La tercera dimensión es llamada simbólica, ya que las obras de arte, tanto históricas como contemporáneas, emplean a menudo símbolos que tienen un significado especial. Respecto a los símbolos que poseen las obras, estas son realizadas para que se reconozcan y se decodifiquen.
La percepción adecuada de las obras de arte exige cierto reconocimiento del tema subyacente. Una vez comprendido el tema retroalimenta a las formas, ofreciendo una nueva matriz que confiere un sentido nuevo a las formas.
La dimensión material es otro aspecto de la obra, donde esta se ve a menudo relacionada con el tipo de significada visual que el artista desea expresar.
La dimensión contextual, se contempla una obra como parte del devenir y de la tradición artística que la predeció. Esta percepción requiere una comprensión de la tradición en la que la obra está inmersa de la que deriva.
Comprender el contexto de una obra demanda tener en cuenta las condiciones que hicieron sugerir la obra, así como el modo como la obra afectó a la época durante la que se creó.